Finden Sie unten unsere Highlights und bleiben Sie dran für den Rest unserer Berichterstattung über das Levitationswochenende, die mit Sicherheit mehr Halloween-Kleidung Auf Der Bühne enthalten wird. yeules cyberfeministisches Shredding zerstört die Erwartungen Auf dem Höhepunkt ihrer gefeierten September-Veröffentlichung Softscars wurde die Glitch-Kennerin Yeule dem kritischen Hype mit einem Feedback-infundierten Donnerstag im Concourse Project gerecht. Gleichermaßen inspiriert von cyberfeministischer Theorie und Nintendo DS-Nostalgie, bewegte sich der 25-jährige gebürtige Singapurer auf der Grenze zwischen Süße und Verwirrung und kombinierte unheimliche Vocals mit dichten Schichten engelhaften Reverbs. Wirbelnde Synthesizer ergänzten akustische Akkorde auf dem Solo-Opener “Don’t Be So Hard on Your Own Beauty”, während das Ambient-Angebot “Bloodbunny” Tourmate / Gitarrenkollegen Sasami beitrug. Eine spürbare Chemie auf der Bühne teilen, Das Paar wechselte zwischen Lead- und Rhythmusgitarrenaufgaben, einschließlich yeules Umfunktionierung eines Geigenbogens für ein vernichtendes Solo auf “Sulky Baby.” Der Pop-Punk-Scorcher ” X W X “tauschte ihren normalerweise kurzlebigen Gesang gegen ein ausgewachsenes Screamo-Heulen und sah die zuvor nachdenkliche Menge der Sängerin in einen prügelnden Moshpit hinabsteigen.

Am Ende des Sets hatte der stimmungswandelnde Künstler Vorurteile zerstört, wie der abschließende Kommentar meines schweißbedeckten Freundes zeigt: “Ich dachte, ich hätte die ganze Zeit geschwankt!” – Genevieve Wood Codeins klaustrophobischer, genresetzender Slowcore Soweit irgendjemand weiß, Der Genrename Slowcore stammt nicht aus einem Portmanteau von “Slow Hardcore.”Aber als man sah, wie Chris Brokaw von Codeine seinen ganzen Körper in jeden wummernden, absichtlichen Trommelschlag in der Far Out Lounge warf, fragte man sich, ob es vielleicht so war. In den frühen Neunzigern, als eine Gruppe gleichgesinnter Bands anfing, elegischen Sotto-Voce-Indie-Rock mit der Intensität und Emotion von Black Flag oder Minor Threat zu spielen, erreichten diese Intensität und Emotion wahrscheinlich ihren Höhepunkt mit Codeine. Das New Yorker Trio, dessen depressiver Gesang, gutturale Gitarren und sowjetische Kampfpanzerrhythmen vor 30 Jahren die Grundlage des Genres bildeten, blieb für ihr Set am Donnerstagabend beim Showcase zum 20-jährigen Jubiläum der Numero Group in feiner narkotisierender Form. Was mit Codein nicht seinen Höhepunkt erreichte – und das ist kein Schlag auf die klageliedartige Schärfe der Band – war die Vielfalt des Songwritings.

Codeins brillant klaustrophobischer Auftritt endete auf urkomisch selbstironische Weise, als Bassist Stephen Immerwahr anbot: “Da sich alle darauf freuen, Unwound [crowd cheers] zu sehen, wird dies unser letzter Song sein.” Die Musik, die in den Startlöchern wartete, war zum Glück der Jazz- und Beatpoesie-geprägte Eklektizismus ihrer Slowcore-Trio-Nachfolger Karate. Bevor Bandleader Geoff Farina mit ihrem eigenen “Benzin” startete, stellte er jedoch sicher, dass die Abstammung klar war. “Dies ist ein Song, den ich geschrieben habe, nachdem ich Frigid Stars gehört habe.” – Julian Türme Sasami (Foto von David Brendan Hall) Sasami verwandelt sich in unveröffentlichter Setlist in Industrial Pop Der Solo-Act Sasami prahlte auf der geräumigen Indoor-Bühne des Concourse Project zu einer Hardrock-Version von Rihannas “Bitch Better Have My Money” und lieferte am Donnerstagabend einen haarsträubenden Donnerstagabend mit kaum mehr als einem pechschwarzen Sechssaiter und einem zuverlässigen Macbook. Ein Teil melancholischer Alt-Rock-Songwriter, ein Teil Nü-Metal-Headbanger, Der Austin-Stopp der L.A.-Ureinwohner kam am Ende einer einmonatigen Tour mit Bill-Sharer yeule an.

Das ehemalige Cherry Glazerr-Bandmitglied versteht ihre Zielgruppe der gut gekleideten Zwanzigjährigen klar: “Du magst Rockmusik? Du magst elektronische Musik? Klinische Depression? Sexuelle Abweichung?” Das musikalische Chamäleon lenkte die Publikumsrufe anmutig ab, um die wehmütige Ballade “Call Me Home ” vom 2022er Release Squeeze zu performen, und widmete ihr Set stattdessen sieben energiegeladenen, Pop-Forward unveröffentlichten Tracks, die zwischen industriellen Experimenten und clubtauglichen Ohrfängern oszillierten. Die schwindelerregende mehrfarbige Stroboskopbeleuchtung und die höhlenartige Tanzfläche des EDM-fokussierten Veranstaltungsortes erwiesen sich als hervorragendes Testgelände für die Gestaltwandlerin, um ihre neueste Entwicklung vollständig zur Schau zu stellen. – Genevieve Holz Die Kirche (Foto von Isabella Martinez) Der Weltraumfelsen der Kirche strömt ins Jahr 2054 Zu der Zeit, als das australische Dream-Pop-Vermächtnis The Church zum größten Hit “Under the Milky Way” klimperte, zwei Drittel durch ein 95-minütiges Set draußen im Mohawk, bewölkte sich der Himmel von Austin in ein Londoner Grau. Zu Beginn des Headliner-Top-Offs am Donnerstagabend, das mit “Ascendence” vom Doppelalbum Knockout The Hypnogogue vom letzten Monat eröffnet wurde, Ein opaler Mond, der zwischen flüchtigen Wolken geschnitten wurde.

Passend zu der in den Achtzigern geborenen Sydney-Crew, die jetzt bis auf Gründer / Bassist / Front-Drolliger Steve Kilbey und einen unterstützenden Vierer reicht, warf Said Celestial Witness ein augenzwinkerndes Zeichen auf die 40-jährige Melancholia. Sie packten drei Gitarren ein und legten sich mit floydscher Begeisterung in die luftige Psyche der neuen LP, nachdem ein frühes Monitorgeräusch einen von Kilbeys Saiten dazu zwang, mit ikonischen Space-Rock-Klimpern zu füllen. “Kein anderes du”, “Flackernde Lichter” und der neue Titeltrack wippten und bewegten sich im Herzen der Performance, wobei ihr Komponist den Popstar des Hypnogogue von 2054 und die Melodien erklärte, die ihm in 5 Milliarden Streams pro Millisekunde aus dem Kopf gerissen wurden. “Und er verdient 9 Cent”, knackte der Bandleader, 69. Wenn Männer nach dem mittleren Alter dicker werden, dann auch Gitarrenrock, klingelnde Rickenbacker und summende Fender-Bässe, die das Markenzeichen der Band festigen. Vergangenheit und Gegenwart trafen sich in “Destination” von 1988 Breakout Starfish, das in den Neuling “C’est La Vie” überging, als ob der Kirchenkohlenstoff so zeitlos wäre wie die Sterne selbst. – Raoul Hernandez

Babehoven schlägt ihre eigenen Rekorde Babehovens EPs-Serie reicht bis ins Jahr 2018 zurück und umfasst wechselnde Mitglieder, alle unter der Leitung der Singer-Songwriterin Maya Bon. Die Live-Präsentation am Donnerstag warf die Arbeit des Hudson, New York, Projekts in ein konsistenteres, klareres Licht, als es der sortierte Bandcamp-Katalog jemals könnte. Bons Hauptkollaborateur Ryan Albert stand umgeben von einer komischen Menge an E-Gitarren-Optionen, um den folgenden Act Slow Pulp unterzubringen. Der September-ANTI-LP-Hof des letzteren bescheinigte der Zweiband-Parish-Rechnung die einzige ausverkaufte Levitationsshow an diesem Tag. Aber diejenigen, die früh (oder vor 11 Uhr) für ihre Tourkollegen ankamen, erlebten eine vollständige Entwicklung, beginnend mit dem starken Country-Einfluss und der ewigen Botschaft von Babehovens “Ich bin in Ihrem Team.” Bons Phrasierung landete noch selbstbewusster als auf der Aufnahme, wo sie Courtney Marie Andrews als Inspiration ansieht. Das Quartett ließ sie beginnen und trat mit einer von vielen großen Gesangslinien ein, die sich alle in Richtung eines größeren Babehoven entwickelten.

Ebenso wischte ein Block neuer Tracks jeden Schlafzimmer-Folk-Ursprung weg, um warm zwischen Slowcore- und Shoegaze-Elementen zu wechseln. Der Kontrast zwischen Bon und Alberts Gitarren verlieh den Neunzigern eine Note, während sich die Sängerin zwischen Karen Os rockiger Weite und Angel Olsens Vintage-Liltanz stabilisierte. Closer “Often”, vom 2022 erschienenen Doppel-Doppelschlag-Album Light Moving Time der Band, schaffte es, die größten Pop-Diva-Läufe in den leisesten, traurigsten und geräumigsten Song des Sets zu verwandeln. Hoffentlich schaffen es solche Live-Erleuchtungen auf die nächste Babehoven-Platte. – Katrin Göring-Eckardt Tanukichan (Foto von Isabella Martinez) Tanukichans bassgeführter Schaumbad-Schuhgaze Wenn Sie jemals über die Präsenz des Basses in einem Shoegaze-Song nachgedacht haben, denken Sie wahrscheinlich an die scharfen, erstickenden Gitarrenschichten, die ihn unhörbar machen. Nicht so in der Musik von Tanukichan. Wie auf ihrem von Chaz Bear produzierten März-Album GIZMO zu hören ist, lenkt die Kalifornierin Hannah van Loon das wirbelnde, abstrakte Gewicht des Genres auf sein häufig vernachlässigtes tiefes Ende um.

Bei ihrem Freitagabend-Set drehte sich alles um das dumpfe, dumpfe Tonspiel zwischen ihrem Bass und der Snare des Schlagzeugers. Trotzdem klangen die Gitarren klar und selbstbewusst, sehr dem Smashing Pumpkins Ideal entsprechend. Sie machten einen warmen und freundlichen Reim mit van Loons Traumpop-Gesang, Erreichen eines Schaumbad-Höhepunkts auf dem Cover der Gruppe von The Cure“s”Lovesong.” Am Ende des schwankenden, hypnotischen Sets hatte ich keine andere Band gesehen, die einen so wunderbaren Sound mit den vielen schläfrigen, psychedelischen Augen gemacht hatte, die die kleine Bühne in der Far Out Lounge schmücken. – Julianische Türme Hoch in Flammen (Foto von David Brendan Hall) Hoch in Flammen beweisen industrielle Stärke und gewinnen Hoch im Feuer ist der Rote Fluss verbrannt, seit der Mensch das Feuer erfunden hat. Tausendjährige Aufflackern die Straße hinunter im vorderen Raum von noch leerstehenden alten Emos, die roh und heiß zerstört wurden.

Mehr als zwei steinharte Jahrzehnte später traten die Grammy-Gewinner der linken Küste auf und in Stubbs like the Earth öffnete sich und sie tauchten auf. Maschinengewehr-Kickdrums fütterten Matt Pikes Rifflawine und seine immer häutenden Intonationen vom Boden der Ewigkeit. Unterschall, ein Plasma aus Bass und Beat, HOFS Ansturm bewies industrielle Stärke und Gewinn. Der verstorbene Gründungsdrummer Des Kensel klingelte laut und stolz als Ersatz für Coady Willis von Big Business und Melvins, einen terminierenden Stockpulverisierer, der dieses 95-minütige Set mit stählerner Freude nach Hause hämmerte. Schwer auf 2007 Essential Death ist dieser Kommunion – Opener “Turk”, “Rumors of War”, “DII”, der Titelschnitt und der Grundgestein–Brecher “Fury Whip” – Hoch auf feurigem, gegrilltem Komfort-Metal à la Kilmister, Taylor und Clarke als kommende LP wartet auf den Rollout. Merch Line sah aus wie Franklin Barbecue, aber ich stieg mit sumpfgrünem, wolkigem DITC-Vinyl aus, als die Triade höher schlug als der Schicksalsberg. Pike wandte sich an Bass Trunk Jeff Matz, als Willis zwischen ihnen und Stubbs Resonanzschlamm dezimierte. Lebe lang und gedeihe, Feuereidechsen. – Raoul Hernandez

Onkel Acid & the Deadbeats ‘Krypta-kickender psychedelischer Doom Im Jahr 2016, als schlechtes Wetter der Levitation als psychedelisches Campout auf der Carson Creek Ranch ein Ende setzte, verwandelte Uncle Acid & the Deadbeats ‘verlagertes Headliner-Set in der Empire Garage alle in absolute Pfützen. “Eine großartige Show, wirklich, wirklich heiß”, erinnerte sich Kapitän Kevin Starrs zwei Jahre später. “Das ist alles, woran ich mich erinnern kann, das war eine der heißesten Shows, die wir je gemacht haben. Wir waren alle nur gefickt, wirklich.” Sogar Geld Der Bandleader bewertete Stubbs 90-minütige Show am Freitag als einen weiteren Versager. Mondfüllung und Temperaturen in den niedrigen Siebzigern, Die Sumpfigkeit im Freien durchnässte alle möglichen Musiker auf der Bühne, genauso wie der Regenguss, der sich aufwärmte, aber zum Glück am Freitag die Levitation vermisste.

Schwerer psychedelischer Doom, das britische Quartett peitschte klassische Post-Folk- und Blues-Vorfahren zu einer Wand aus Tony Iommi-Koteletts, hexenhaftem Unisono-Vox von Starrs und treuem Gitarrenleutnant Vaughan Stokes, musikpavillonerschütterndem Donner von Schlagzeuger Jon Rice und einem Lo-Fi-Wallop von Velvet Underground Sonic Subversion. “Okay, Austin, wie zum Teufel geht es dir?” fragte sich Starrs früh und so ziemlich nur. “Es ist großartig, zurück zu sein.” Birmingham-Tempi, fliegende Haare und schleudernder Reis und gelegentliche Horror– / Verschwörungsvideokulissen, UA & TD rasselten einen Krypta-Kicker nach dem anderen – dick, dicht, intensiv. Neunzig Minuten in einem Schnellkochtopf und klingt wie ein Jagdgeschwader aus dem Zweiten Weltkrieg, fertig! – Raoul Hernandez

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