Viña del Mar, diciembre de 2022.
Dedicado a Marcia Orell García, mi maestra luz.
Al comenzar este mes, me di cuenta que, como un antiguo pedagogo, podía tomar tu mano y mostrarte las huellas y registros que ha dejado el cine, desde la perspectiva de mi espíritu.
Si ocupamos sencillas guías para viajar o visitar un museo, ¿por qué no hacerlo para descender en la caverna laberíntica del cine?
Y como podía hacerlo, simplemente lo hice, y ahora quiero regalarte el fruto de este esfuerzo, mientras la puerta de lo humano se abre en el cielo
El cine, esta disciplina que ha revolucionado e integrado, artes visuales y dramáticas, música, literatura y desarrollo tecnológico, está, en gran parte conservado en los catálogos de www.archive.org , www.youtube.com y otros portales, lo que me permite unir estas palabras a las mismísimas obras audiovisuales.
Como Virgilio, te acompaño desde mi rol de poeta, sujeto a la certeza de que sólo podré presentarte algunas de las múltiples líneas que surgen de este tema.
En el principio estuvo el sur y un mimo genial
Fairbanks, Pickford, Chaplin y Griffith, hacia 1919
La naciente industria del espectáculo audiovisual encontró en el norteamericano David Wark Griffith, 1875-1948, y sus más de 500 películas una vía para crear cintas técnicamente innovadoras que atrajeron a las cavernas de fantasía a millones de personas.
En su contexto de sureño impregnado de racismo, su tema preferido fue la guerra civil y sus consecuencias.
A través del oficio y la experiencia fue descubriendo técnicos y narrativos que con el tiempo se hicieron de uso común: el primer plano, el flashback, el montaje alterno y los fundidos. La síntesis de todo ello fue la monumental El nacimiento de una nación, de 1915, una cinta de duración inusitada, más de tres horas, que batió todos los récords en taquilla y marcó un hito en la historia del cine.
El ”primer plano”, es el pequeño fragmento de una película que presenta con detalle personas u objetos enfocados desde muy cerca.
El “flashback” consiste en intercalar en el desarrollo lineal de la acción, secuencias referidas al pasado.
El “montaje alterno” consiste en relatar dos o más escenas simultáneamente alternando los planos. La sucesión de hechos de cada escena se rueda por separado y se entrelazan en el proceso de edición de la película.
El “fundido” es un tipo de transición audiovisual por la cual la imagen y/o el sonido van perdiendo intensidad hasta quedar únicamente el color de fondo que se haya elegido o el silencio en caso del audio
A su fallecimiento, Orson Welles dijo de él: «Yo le admiraba, le veneraba, pero él no necesitaba un discípulo. Necesitaba trabajo. Nunca he odiado realmente a Hollywood a no ser por el trato que dispensó a David Wark Griffith. Ninguna ciudad, ninguna profesión ni forma de arte le deben tanto a un solo hombre».
Sus obras más afamadas son “El nacimiento de una nación”, de 1915, originalmente denominada “The clansman”; “Intolerance”, que filmó en 1916 para defenderse de las críticas por su racismo y “Abraham Lincoln”, de 1930.
Por otro lado, en 1909, un mimo inglés de humilde origen comenzó a itinerar por Norteamérica.
Su personaje del vagabundo nació en 1914, con ocasión de la película “Extraños dilemas de Mabel”.
Chaplin lo recordó con estas palabras: “No tenía idea sobre qué maquillaje ponerme. No me gustaba mi personaje como reportero [en Carlitos periodista]. Sin embargo, en el camino al guardarropa pensé en usar pantalones bombachudos, grandes zapatos, un bastón y un sombrero hongo. Quería que todo fuera contradictorio: los pantalones holgados, la chaqueta estrecha, el sombrero pequeño y los zapatos anchos. Estaba indeciso entre parecer joven o mayor, pero recordando que Sennett quería que pareciera una persona de mucha más edad, agregué un pequeño bigote que, pensé, agregaría más edad sin ocultar mi expresión. No tenía ninguna idea del personaje, pero tan pronto estuve preparado, el maquillaje y las ropas me hicieron sentir el personaje, comencé a conocerlo y cuando llegué al escenario ya había nacido por completo”
Desde 1918, Chaplin asumió la dirección de sus propias películas, siempre comprometidas con los más débiles y denunciando las injusticias sociales. Además de dirigir y actuar, solía componer la música de sus cintas, por ejemplo la canción “Sonrisa” creada para “Tiempos Modernos”, de 1936, y “Ésta es mi canción”, para “La condesa de Hong Kong”, de 1962.
Sus cintas más celebradas son “La quimera del oro” , de 1925, “Luces de la ciudad” , de 1931, “Tiempos modernos”, de 1936, “El gran dictador”, de 1940 y “Candilejas”, de 1952. Sus técnicas al momento de filmar incluían el “slapstick”, es decir la bufonada con golpes y la pantomima.
Tras la Segunda Guerra Mundial fue acusado de apoyar el comunismo y se refugió en Suiza.
Siguió creando en el exilio, excepcionalmente volvió a los Estados Unidos para recibir un Oscar honorífico en 1972 , recibiendo un aplauso de 12 minutos por parte de los asistentes.
Falleció en Suiza en 1972.
Chaplin, junto a las estrellas del cine mudo Douglas Fairbanks, “El Rey de Hollywood” y Mary Pickford,”La Novia de América”, dieron vida en 1919 a “United Artists”, productora concebida para amparar su propia libertad creativa y sus intereses económicos.
“El nacimiento de una nación”
https://archive.org/details/TheBirthOfANation19151080p
“Intolerancia”
https://archive.org/details/Intolerance
“Abraham Lincoln”
https://archive.org/details/abraham_lincoln
“The Kid”
https://archive.org/details/the_kid_1921_charliechaplin
“La quimera de oro”, “The Gold Rush”
https://archive.org/details/the-gold-rush-1925
“Luces de la ciudad”, “City Lights”
https://archive.org/details/city-lights-1931
“Tiempos Modernos”
https://archive.org/details/modern-times-1936
“El Gran Dictador”
https://archive.org/details/el-gran-dictador.-720.bdrip.cast
“Lightlimes” , “Candilejas”
https://web.facebook.com/Quandoalcinemasisognava/videos/limelight-is-a-1952-american-film-written-directed-and-starring-charlie-chaplin/504185344465994/?_rdc=1&_rdr
“La Condesa de Hong Kong”
https://www.dailymotion.com/video/x877ksh
El hombre común despeja la hierba y nos habla.
Esta visión parte desde la poesía, concretamente desde las “Hojas de Hierba” de Walt Whitman y su decisión de poner en el centro al ser humano moderno, al ciudadano que transformado en pueblo asume los gobiernos por medio de la democracia.
Walt escribe desde el lugar de ciudadano- periodista y para otros ciudadanos a los que ama y respeta.
Mira como nos habla en un recodo del camino:
PARA TI (To you) Desconocido, si al pasar, quieres hablarme, ¿por qué no has de hacerlo? Y, ¿por qué no te hablaría yo? YO CANTO PARA MÍ MISMO (One’sself I sing) Yo canto para mí, una simple y aislada persona, Sin embargo pronuncio la palabra democracia, la palabra Masa. Canto al organismo humano de pies a cabeza, No son la fisonomía sola ni solo el cerebro los motivos únicos de mi Musa, Yo digo que la Forma completa es la digna, Y canto a la mujer lo mismo que canto al Macho. La Vida inmensa en pasión, pulso, poder, La vida feliz, formada en la más libre acción, bajo el imperio de las leyes divinas Canto al hombre Moderno.
Sí, su voz era la del hombre común, por ello se negó a incluir los vocablos “Walt Whitman” en sus libros.
El QH. Frank Capra, inmigrante siciliano y sus guionistas, tomaron una y otra vez esa tema y llevaron al hombre y a la mujer común a convertirse en rey de las finanzas o senador, transformaron a una simple vendedora de flores en una gran dama y dejaron que la hija consentida de un millonario, tomara en un bus el lugar y los sentimientos de una simple chica que se enamora, por supuesto, de un periodista, el epítome del ciudadano hombre común. Me estoy refiriendo a Mr. Deeds go to Town; Mr. Smith go to Washington; Dama por un día, Vive como quieras y Sucedió una noche.
Dando un giro de tuerca a su visión del hombre común, en “It’s a Wonderful World”, el director nos muestra los pequeños heroísmos que colman la vida de un buen hombre, salvar a un niño que ha caído al agua; postergar una boda; hacer un trabajo de servicio público y en “Juan Nadie” nos asombra con el poder político del ser humano común y nos muestra el enfrentamiento comunicacional entre la periodista honesta y los propietarios de los grandes medios de comunicación, brazo cultural del gran capital.
Llevado por su ambición ético-estética, tal vez con el secreto anhelo de impedir la Segunda Guerra Mundial, Capra nos mostró en “Horizontes perdidos”, una sociedad utópica emplazada en el Himalaya, en que los seres humanos viven en paz y armonía.
“Dama por un día”
https://www.youtube.com/watch?v=u28JInjHol8
“It happening one night”, “Sucedió una noche”
https://archive.org/details/horse-ed
“Mr. Deeds go to Town”, “El secreto de vivir”
https://www.youtube.com/watch?v=G3WP58NDSy8
“Mr. Smith go to Washington”, “Caballero sin Espada”
https://www.gloria.tv/post/sQppEYdZzJQj3swTBRrE8VyDJ
“Lost Horizon”, “Horizontes Perdidos”
https://gloria.tv/post/rkjAQgvGfJop3TP7ad3XvytdB
Los emigrantes hacen florecer el bosque sagrado
Lubitsh Wilder y Monroe Curtiz
El cine, como el jazz o el tango, se enriqueció gracias al desplazamiento provocado por las guerras y genocidios. Ernst Lubitsh, Billy Wilder y Michael Curtiz fueron grandes representantes del exilio europeo instalado en Hollywood.
Ernst Lubitsh, aportó una manera inteligente y elegante de filmar, comunicando a través de las imágenes y ahorrando muchísimo en diálogos de enlace.
En “Ser o no ser” y “Ninotshka” – con guión de Billy Wilder- , surgidas en días terribles para la humanidad, Lubitsh tuvo la valentía de combatir con humor a Hitler y a Stalin, distinguiendo y rescatando los valores humanistas de los ciudadanos soviéticos, encarnados por Ninotshka.
En todas sus películas brilla el humor del director, el único que logró poner en pantalla las sonrisas de Greta Garbo.
En todas sus películas, resplandece su amor por la alegría.
Billy Wilder es considerado ampliamente como un genio.
En 1994, el director español Fernando Trueba recibió el premio Oscar a mejor película en idioma extranjero por Belle Epoque. Al finalizar su discurso de aceptación dijo: “Me gustaría creer en Dios para agradecérselo. Pero solo creo en Billy Wilder, así que, gracias Mr. Wilder” y a la mañana siguiente, Wilder lo llamó por teléfono y le dijo: “Hola Fernando, soy Dios”.
El año 2012, el director francés Michel Hazanavicius al recibir una estatuilla de Oscar, expresó “Y quiero agradecer a tres personas: quiero agradecer a Billy Wilder. Quiero agradecer a Billy Wilder. Y quiero agradecer a Billy Wilder. Este es uno de los tantos homenajes que recibió este guionista y director.
Para comprender a Billy, es bueno tener presente su biografía, fue reportero en Viena y luego, en Berlín, se ganó la vida como acompañante pagado a fiestas y, muy seguramente, como gigoló.
En su filmografía, tuvo el ingenio artístico para sobreponerse a los códigos de la industria y denunciar la explotación de las mujeres y su cosificación. De esta forma, las heroínas de sus películas suelen ser prostitutas, chicas promiscuas, travestis, dueñas de casa carentes de dinero y de amor; y actrices mayores abandonadas por la industria.
Billy, siguiendo los pasos de John Huston y del escritor Dashiell Hammett – tío lejano de mi esposa- en “El Halcón Maltés”, de 1941, supo aportar a la creación de las bases del cine negro con la maravillosa “Double Indemnity”.
Además, logró exhibir su amor por Nueva York y su combate a los males del alcoholismo en “The last weekend”.
Se suele considerar que “The Apartment”, de 1960, es su obra cumbre. Allí la explotación se muestra refinada pero implacable, el protagonista, tras trabajar todo el día en un edificio corporativo de Nueva York, subarrienda por horas su departamento para elevar sus ingresos, facilitando así que sus jefes concreten sus amoríos con secretarias y ascensoristas.
De Michael Curtiz, envío “Casablanca”, película concebida como propaganda de guerra, pero que a través de la música, la ambientación y el guión, crea un ambiente fabuloso y cosmopolita, en que el bien y mal se dan golpes; se caricaturizan y revuelcan, mientras una sencilla historia de amor insiste en separar a los amantes, que ante las exigencias superiores de la humanidad, deberán conformarse con sus recuerdos de París y el nuevo purgatorio al que llamamos Casablanca.
“Trouble in paradise » Lubitsh, subtítulos en portugués
https://archive.org/details/trouble-in-paradise-1932
“Ninotshka”,Lubitsh
https://vk.com/video422198122_456253409
“Ser o no ser”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=Y2bCXtLbEEM
“Heaven can wait”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=lDhJGYE7wX8
“Double Indemnity”, Wilder
https://archive.org/details/1944-double-indemnity-billy-wilder-vose
“The last weekend”, Wilder
https://archive.org/details/1945-the-lost-week-end-dias-sin-huella-billy-wilder-vose
“Sunset Boulevard », Wilder
https://archive.org/details/1950-sunset-boulevard-el-crepusculo-de-los-dioses-el-ocaso-de-una-vida-billy-wilder
« Sabrina », Wilder
https://alugha.com/videos/91388bc0-348c-11eb-bf6d-a9fecaf57de6?lang=spa
“Ariane” Wilder
https://youtu.be/DiImE7OWyYo
“The seven year itch », Wilder
Primera Parte
https://www.dailymotion.com/video/x818a2q
Segunda Parte
https://www.dailymotion.com/video/x81c1hl
« The Apartment », Wilder
https://ok.ru/video/352967789115
“One, two, three”
https://archive.org/details/one.-two.-three.-1961.720p.-billy-wilder-film-james-cagney-howard-st.-john-pamel
« Some like it hot”, Wilder
https://gloria.tv/post/8orFVmHCbTYcB7pKDafxt6vYW
« Bésame tonto”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=CKZ-0_vA5lw
“Irma la dulce”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=PNUlk7N48LA
“The adventures of Robin Hood », Curtiz (En inglés)
https://www.bilibili.tv/en/video/2042439049
“Casablanca”, Curtiz
https://archive.org/details/casablanca.720p.bdrip.subesp
“El Halcón Maltés”, Huston
https://archive.org/details/1941themaltesefalconelhalconmaltesjohnhuston
Documental sobre Billy Wilder,Annie Tresgot y Michel Ciment.
https://www.youtube.com/watch?v=bekxJDrJr78
En Odesa, el coche de un bebé irrumpe con su nueva estética en el momento más libertario de la revolución soviética.
El cine, como el jazz o el tango, se enriqueció gracias al desplazamiento provocado por las guerras y genocidios. Ernst Lubitsh, Billy Wilder y Michael Curtiz fueron grandes representantes del exilio europeo instalado en Hollywood.
Ernst Lubitsh, aportó una manera inteligente y elegante de filmar, comunicando a través de las imágenes y ahorrando muchísimo en diálogos de enlace.
En “Ser o no ser” y “Ninotshka” – con guión de Billy Wilder- , surgidas en días terribles para la humanidad, Lubitsh tuvo la valentía de combatir con humor a Hitler y a Stalin, distinguiendo y rescatando los valores humanistas de los ciudadanos soviéticos, encarnados por Ninotshka.
En todas sus películas brilla el humor del director, el único que logró poner en pantalla las sonrisas de Greta Garbo.
En todas sus películas, resplandece su amor por la alegría.
Billy Wilder es considerado ampliamente como un genio.
En 1994, el director español Fernando Trueba recibió el premio Oscar a mejor película en idioma extranjero por Belle Epoque. Al finalizar su discurso de aceptación dijo: “Me gustaría creer en Dios para agradecérselo. Pero solo creo en Billy Wilder, así que, gracias Mr. Wilder” y a la mañana siguiente, Wilder lo llamó por teléfono y le dijo: “Hola Fernando, soy Dios”.
El año 2012, el director francés Michel Hazanavicius al recibir una estatuilla de Oscar, expresó “Y quiero agradecer a tres personas: quiero agradecer a Billy Wilder. Quiero agradecer a Billy Wilder. Y quiero agradecer a Billy Wilder. Este es uno de los tantos homenajes que recibió este guionista y director.
Para comprender a Billy, es bueno tener presente su biografía, fue reportero en Viena y luego, en Berlín, se ganó la vida como acompañante pagado a fiestas y, muy seguramente, como gigoló.
En su filmografía, tuvo el ingenio artístico para sobreponerse a los códigos de la industria y denunciar la explotación de las mujeres y su cosificación. De esta forma, las heroínas de sus películas suelen ser prostitutas, chicas promiscuas, travestis, dueñas de casa carentes de dinero y de amor; y actrices mayores abandonadas por la industria.
Billy, siguiendo los pasos de John Huston y del escritor Dashiell Hammett – tío lejano de mi esposa- en “El Halcón Maltés”, de 1941, supo aportar a la creación de las bases del cine negro con la maravillosa “Double Indemnity”.
Además, logró exhibir su amor por Nueva York y su combate a los males del alcoholismo en “The last weekend”.
Se suele considerar que “The Apartment”, de 1960, es su obra cumbre. Allí la explotación se muestra refinada pero implacable, el protagonista, tras trabajar todo el día en un edificio corporativo de Nueva York, subarrienda por horas su departamento para elevar sus ingresos, facilitando así que sus jefes concreten sus amoríos con secretarias y ascensoristas.
De Michael Curtiz, envío “Casablanca”, película concebida como propaganda de guerra, pero que a través de la música, la ambientación y el guión, crea un ambiente fabuloso y cosmopolita, en que el bien y mal se dan golpes; se caricaturizan y revuelcan, mientras una sencilla historia de amor insiste en separar a los amantes, que ante las exigencias superiores de la humanidad, deberán conformarse con sus recuerdos de París y el nuevo purgatorio al que llamamos Casablanca.
“Trouble in paradise » Lubitsh, subtítulos en portugués
https://archive.org/details/trouble-in-paradise-1932
“Ninotshka”,Lubitsh
https://vk.com/video422198122_456253409
“Ser o no ser”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=Y2bCXtLbEEM
“Heaven can wait”, Lubitsh
https://www.youtube.com/watch?v=lDhJGYE7wX8
“Double Indemnity”, Wilder
https://archive.org/details/1944-double-indemnity-billy-wilder-vose
“The last weekend”, Wilder
https://archive.org/details/1945-the-lost-week-end-dias-sin-huella-billy-wilder-vose
“Sunset Boulevard », Wilder
https://archive.org/details/1950-sunset-boulevard-el-crepusculo-de-los-dioses-el-ocaso-de-una-vida-billy-wilder
« Sabrina », Wilder
https://alugha.com/videos/91388bc0-348c-11eb-bf6d-a9fecaf57de6?lang=spa
“Ariane” Wilder
https://youtu.be/DiImE7OWyYo
“The seven year itch », Wilder
Primera Parte
https://www.dailymotion.com/video/x818a2q
Segunda Parte
https://www.dailymotion.com/video/x81c1hl
« The Apartment », Wilder
https://ok.ru/video/352967789115
“One, two, three”
https://archive.org/details/one.-two.-three.-1961.720p.-billy-wilder-film-james-cagney-howard-st.-john-pamel
« Some like it hot”, Wilder
https://gloria.tv/post/8orFVmHCbTYcB7pKDafxt6vYW
« Bésame tonto”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=CKZ-0_vA5lw
“Irma la dulce”, Wilder
https://www.youtube.com/watch?v=PNUlk7N48LA
“The adventures of Robin Hood », Curtiz (En inglés)
https://www.bilibili.tv/en/video/2042439049
“Casablanca”, Curtiz
https://archive.org/details/casablanca.720p.bdrip.subesp
“El Halcón Maltés”, Huston
https://archive.org/details/1941themaltesefalconelhalconmaltesjohnhuston
Documental sobre Billy Wilder,Annie Tresgot y Michel Ciment.
https://www.youtube.com/watch?v=bekxJDrJr78
En Odesa, el coche de un bebé irrumpe con su nueva estética en el momento más libertario de la revolución soviética.
Serguéi Eisenstein aprovecha los años libertarios de la primera década de la revolución soviética, para expresar en el Acorazado Potemkin, de 1925, toda la fuerza del hombre común.
Lo hace incorporando innovaciones de filmación y montaje que le permiten crear la célebre escena de la matanza en la gran escala de Odesa, que hasta ahora maravilla a los cineastas.
Se ha dicho que en el cine clásico norteamericano previo a los años 70, una película normal, de 110 minutos, tenía entre 300 y 700 planos. La duración media de cada uno de esos planos era de entre 22 y 9 segundos.
Antes de la llegada de las herramientas digitales de edición de las que disfrutamos ahora, cada corte debía ser tratado manualmente, cada pieza del montaje perfectamente estudiada antes de ser incorporada al producto final.
Pues bien, el Acorazado tiene más de 1.100 planos en 80 minutos. Sólo en los minutos de la escalera se concentraron 170 de estos cortes dando forma al referente más célebre de la historia del montaje cinematográfico, en que la escena se relata visualmente alternando la linealidad con la yuxtaposición de imágenes.
Eisenstein nutre su estética con su opción gay, tornando apolíneos a los marineros alzados y exaltando visualmente el poder de sus cuerpos, en contraposición a los oficiales zaristas, cuyos rostros retorcidos expresan los sombrío de su causa.
Pero pronto, Eisenstein cayó en desgracia ante el régimen de Stalin. Salvó su vida gracias a su fama internacional, pero no volvió a filmar en 20 años.
“Acorazado Potemkin”, Eisenstein
https://www.youtube.com/watch?v=BEvaNIzuGAg
Fritz Lang, “hemos decidido que eres ario”
Fritz Lang
En los comienzos del siglo XX la cultura de habla alemana logró altas cumbres con el movimiento del “Jinete Azul” y el expresionismo en la pintura; la filosofía de Husserl y Heidegger; la literatura de Herman Hesse, Thomas Mann y Stephen Zweig; el gran salto de la psiquiatría a partir de Freud, la arquitectura y el diseño de la Bauhaus, la música de Richard Strauss y Gustav Mahler; la relatividad y la física cuántica.
En el cine, el correlato se denomina “Expresionismo Alemán”, que conmovido por el infierno de la primera guerra mundial devela los demonios interiores y la subjetividad aterrorizada del ser humano.
El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna.
El más connotado de los expresionistas alemanes es Fritz Lang, que creó en Alemania Metrópolis, de 1927, , M, el vampiro de Düsseldorf , de 1931 y El testamento del Dr. Mabuse, de 1932.
Al finalizar El testamento del Dr. Mabuse , recibió la propuesta de Joseph Goebbels de hacerse cargo de la dirección de los estudios “Universum Film AG”, conocidos como UFA, pero Lang, que era del todo contrario al nazismo le expresó a Goebbels que aunque su madre era católica conversa, ella era realmente judía, a lo que Goebbels retrucó "Nosotros decidimos quién es ario y quién no" y esa misma noche , Lang huyó hacia Francia.
Asentado en los Estados Unidos, rodó Furia, de 1936, Sólo se vive una vez, de 1937, La mujer del cuadro , de 1944, Perversidad, de 1945, Secreto tras la puerta, de 1947, Encubridora, de 1952, Los sobornados , de 1953, Deseos humanos, de 1954, Los contrabandistas de Moonfleet , de 1955, Más allá de la duda , de 1956 y Mientras Nueva York duerme, de 1956.
En la República Federal Alemana, filmó El tigre de Esnapur , de 1958, La tumba india , de 1959, y Los crímenes del Dr. Mabuse , de 1960, su última película.
Fritz Lang, expresó sobre Metropolis, su obra maestra; “Vine a América por primera vez brevemente en 1924, y me hizo una gran impresión. La primera tarde cuando llegamos, éramos todavía enemigos extranjeros, así que no podíamos dejar el barco. Fue atracado en algún lugar de West Side de New York. Miré las calles, las luces brillantes y altos edificios, allí concebí Metropolis.”
La concepción de la película, que une el materialismo histórico y el simbolismo bíblico en una ciudad futurista del año 2000, divida entre una minoría poderosa y sofisticada y la población obrera a cargo de manejar las máquinas.
“Metropolis”, Lang
https://www.youtube.com/watch?v=PFE-dBHbUp8
“ M, el vampiro de Düsseldorf”, Lang
https://www.youtube.com/watch?v=r7GLsRs0SBs
“El testamento del Dr. Mabuse”, Lang (Con subtítulos en inglés y en español)
https://archive.org/details/the-testament-of-dr-mabuse
https://www.youtube.com/watch?v=qQHVcgHdyvY
El gigante Orson Welles, se enfrenta a los formidables medios de prensa que empujan hacia la guerra.
En vísperas de la Segunda Guerra Mundial y con ocasión del “Halloween” de 1938, Welles creó “La Guerra de los Mundos” un programa de radio en Nueva York, que reporteó la invasión del planeta, causando pánico en la audiencia.
En 1941, volvió a embestir contra el poder de la prensa, emprendiendo su primera y más fabulosa película “El ciudadano Kane”, inspirada en la vida del magnate propietario de periódicos William Randolph Hearst, que con la fuerza de sus medios de comunicación impulsó la invasión de Cuba en 1898 y procuró detener la revolución mexicana.
En su raíz, esta obra que Welles comenzó a filmar con sólo 22 años, muestra a un niño corrompido por el dinero y el poder que en su lecho de muerte sólo quiere retornar a su infancia de nieve y campo, simbolizada por el nombre de su trineo, Rosebud. Un ser humano, que de no haber sido tan rico, habría llegado a ser un buen hombre.
Primerizo en el rol de director, Welles vió cuarenta veces “La Diligencia”, de John Ford, acompañado de técnicos a los que consultaba la forma en que se obtuvieron las imágenes y los efectos logrados en pantalla.
Al partir desde 0 en la industria, Welles incorporó en su película todos los adelantos de la época, entre ellos, la profundidad de campo, logrando que tanto el primer plano como el fondo aparezcan nítidamente enfocados; el uso de planos contrapicados; el recurso intensivo de los flashbacks y el movimiento de la cámara.
La película fue un fracaso de taquilla, pero se volvió un ícono para los técnicos del cine y determinó una nueva manera de filmar.
En 1946, tachado de comunista, debió dejar los Estados Unidos, radicándose en Europa, donde se sumergió en la riqueza de Shakespeare y filmó “Macbeth”, de 1948, “Otelo”, de 1952 y “Mr. Arkadin”, de 1955.
Regresó a Estados Unidos en 1958 para filmar “Touch of Evil”, que cuenta en su inicio con el plano secuencia más famoso del cine, dura tres minutos y tardó quince días en filmarse.
El plano secuencia es una técnica de planificación de rodaje que consiste en la realización de una toma sin cortes durante un período extendido de tiempo.
“La Guerra de los mundos”, Welles
https://archive.org/details/la-guerra-de-los-mundos-orson-welles-sub-espaol
https://www.youtube.com/watch?v=VMGRCU4kLjI “El ciudadano Kane”
https://gloria.tv/post/RxU2oyn3Rf6U2GwBTXyCxTTZY
“Touch of Evil”, Welles
https://www.tokyvideo.com/es/video/sed-de-mal-1958
https://archive.org/details/8.0-touch-of-evil-1958
“Macbeth”, Welles
https://www.youtube.com/watch?v=96ZIo6IH_Qg
“Otelo”, Welles
https://web.facebook.com/MantikF/videos/othello-the-moor-of-venice-literalmente-la-tragedia-de-otelo-el-moro-de-venecia-/2171951539744334/?_rdc=1&_rdr
“Mr. Arkadin”, Welles
https://www.pbs.org/video/mr-arkadin-1955-y8mfeh/
“La diligencia”, Ford
https://www.youtube.com/watch?v=l7WTGZG8NVE
Howard Hawks y su arte de entretener
Su carrera como director de 47 variopintas películas se inició con “The Road to Glory”, de 1936 y cruzó con éxito hasta 1970, con su "Rio Lobo".
Ejercía un control absoluto de todos los aspectos de la producción y la dirección e intervenía en todos los guiones. Su definición de una buena película fue: «Tres grandes escenas, ninguna mala». Le gustaba expresar que de los diez mandamientos del cine los nueve primeros eran «entretener, entretener y entretener». Definió al buen director como «aquel que no te molesta», es decir, el que no se aleja del meollo de la escena. En sus propias palabras, su estilo de dirección se basa en «ser agradable y directo».
“The Road to Glory”
https://www.youtube.com/watch?v=IAUTZbP9l2I
“Scarface”
https://archive.org/details/scarface-1932_202109
“Bringing Up Baby”
https://archive.org/details/bringing-up-baby-1938_202006
https://archive.org/details/bringing-up-baby-1938_202008 (subt. En portugués)
“The big sleep”
https://archive.org/details/1946-the-big-sleep-el-sueno-eterno-howard-hawks-vose
“Los caballeros las prefieren rubias”
https://archive.org/details/gentlemen-prefer-blondes-1953
“Río Lobo”
https://www.lasteles.com/blog/rio-lobo-pelicula-online/
El neorrealismo
Rossellini De Sica Visconti
El escenario del término de la segunda guerra mundial derivó en la Guerra Fría, el ejército rojo avanzó hasta las puertas de Venecia, se produjo la revolución China, las guerras de Corea y Vietnam.
En Italia y Francia, los antiguos partisanos y miembros de la resistencia adquirieron una impronta de héroes y la propaganda anticomunista tuvo muchas más dificultades en caricaturizar a los partidos de izquierda.
Aprovechando las condiciones materiales de “Cinecittá”, inaugurada en 1937 y creada por el régimen fascista, los cineastas italianos abandonaron los temas nacionalistas, musicales y de propaganda para describir la realidad.
Lo hicieron fundándose en la improvisación y en el aporte de actores no profesionales que representaron sus propios roles en la comunidad, desplazando la relevancia de la trama.
El término neorrealismo fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro.
Obras fundamentales del neorrealismo son “Roma Ciudad Abierta”, 1945, de Roberto Rossellini, “Ladrón de Bicicletas”, 1948, de Vittorio de Sica y “La tierra tiembla”, 1948, de Luchino Visconti.
“Roma Ciudad Abierta”
https://www.youtube.com/watch?v=PxzBKEAAYQo
“Ladrón de bicicletas”
https://www.youtube.com/watch?v=6GqiTgJOAek
“La tierra tiembla”
https://www.youtube.com/watch?v=lGUyLOqEkxc
Fellini
Un paso adelante del neorrealismo lo dio Federico Fellini, dibujante, hombre de radio y colaborador de Rosellini, quien comenzó a filmar películas imbuidas de fantasía, sueños, deslumbrante fotografía , profundo amor por los rostros y constante juego con el peso de la historia y la religiosidad italiana.
Así, “La Dolce Vita”, de 1960, comienza con dos helicópteros que vuelan transportando a un sofisticado, elegante y seductor periodista sobre las ruinas de las termas de Caracalla, una cancha de fútbol, niños que corren, obreros, una azotea con muchachas que toman el sol, la Basílica de San Pedro y los modernos edificios de Roma, siempre cargando una estatua de Jesús con sus brazos extendidos. Los helicópteros parecen detenerse sobre San Pedro, mientras campanadas reciben la figura del Maestro galileo.
Fellini, tras considerar que había filmado 7 películas y media, a la siguiente la llamó Otto e mezzo , de 1963, sugiriendo desde ya su connotación autorreferente, abordando el tema de la creatividad y la crisis existencial.
“La dolce vita”
https://archive.org/details/la-dolce-vita-1960-criterion-1080p-blu-ray-x-265-10bit-tigole
https://www.lasteles.com/blog/la-dolce-vita/ (doblada al castellano)
“Otto e mezzo”
https://archive.org/details/eight-and-a-half-1963_202012
“Amarcord”
https://www.youtube.com/watch?v=-Wxpq8YrOO4
Dos dibujantes y un poeta, proyectan las realidades de la mente.
Federico Fellini y Alfred Hitchcock, partiendo de sus competencias como dibujantes, lograron proyectar en las salas de cine, obras visuales en que la luz, los colores y la dinámica de la imágenes, notoriamente preexistieron en la mente y en los cuadernos de dibujo.
De esa manera, lograron divorciarse de lo que observamos y exhibir nuestras fantasías, sueños y miedos
El poeta aristocrático Jean Cocteau con “La Bella y La Bestia” y “Orpheus”, apoyándose en el mito logró aventurarse en los laberintos de la psiquis y el misterio de la eternidad.
“Vértigo”
https://archive.org/details/vertigo-1958
“Rebeca”
https://www.youtube.com/watch?v=PAKfTvLx1oc
“La bella y la bestia”
https://web.facebook.com/PiensaFlix/videos/la-bella-y-la-bestia-la-belle-et-la-b%C3%AAte-1946-pel%C3%ADcula-completa-castellano/464151761045168/?_rdc=1&_rdr
“Orpheus”
https://www.youtube.com/watch?v=1IZIwV7c3os
Akira Kirosawa, el Shakespeare del Siglo XX.
Nacido en 1910, tal como Fellini y Hitchcock, llegó al cine desde el dibujo.
Su trabajo se desarrolló en paralelo al neorrealismo italiano y sorprendentemente continuó hasta 1990.
Sobrevivió a la segunda guerra mundial aportando con su técnica a la creación de películas destinadas a la propaganda de guerra.
Su obra acompañó la reconstrucción de Japón con una serie de celebradas cintas que le valieron amplio prestigio internacional, al punto que Steven Spielberg lo describió como el Shakespeare del cine contemporáneo, probablemente por su genialidad, la vastedad de su obra y su talento para llevar a la pantalla los dramas del vate británico.
Kurosawa poseía una técnica cinematográfica propia, que desarrolló desde los años cincuenta, lo que le da un sello personal a su obra.
Solía usar lentes de teleobjetivo, por el modo en que aplanaban el encuadre y porque creía que situando las cámaras lejos de los actores se lograban mejores interpretaciones. Asimismo, utilizaba varias cámaras al mismo tiempo lo que le permitía filmar un mismo plano desde distintos ángulos.
Otro signo distintivo del estilo de Kurosawa- también muy shakespereano- era su incorporación de los elementos meteorológicos en sus películas, como el aguacero en la escena inicial de Rashōmon y en la batalla final de Los siete samurais , el calor intenso en Nora Inu (El perro rabioso), la ventisca helada en Yojimbo (El mercenario), la lluvia y la nieve en Ikiru (Vivir) o la niebla en Kimonosu-jo (Trono de sangre).
“Rashōmon”
https://archive.org/details/rashomon-subtitulado-espanol
“Los siete samurai”
https://web.facebook.com/M%C3%BAsica-Visual-%CA%B8-%E1%B6%A0%E1%B6%A6%CB%A1%E1%B5%90%CB%A2-109434367867924/videos/%EF%B8%8F-los-siete-samur%C3%A1is-pel%C3%ADcula-1954-sub-espa%C3%B1ol/129973602388430/?_rdc=1&_rdr
“El perro rabioso”
https://vk.com/video251753057_456239081
“El Mercenario”
https://archive.org/details/yojimbo-jap-sub.esp
“Vivir”
https://archive.org/details/IkiruToLive
“Trono de sangre” (Macbeth)
https://archive.org/details/ThroneOfBlood
“Ran” (Rey Lear)
https://archive.org/details/NovamovFlashVideosForAll_20150216
Satyajit Ray, el genio de Bengala.
El nuevo impulso de la postguerra afloró también la India, a través del talento de Satyajit Ray, 1921-1922, cineasta, diseñador y músico, perteneciente a un linaje de intelectuales, que mostró a la India emergiendo de su cultura de castas a través de una trilogía de películas centradas en la vida de Apu, su protagonista.
La trilogía está conformada por “Pather Panchali”, “La canción del Camino”; “Aparajito” ,“El invencible” y “Apun Sansar”, “El mundo de Apu”.
Si bien se inspira en el neorrealismo italiano, a partir del impacto que tuvo para Satyajit “El ladrón de bicicletas”, esta creación audiovisual logra enriquecer la constatación del hecho social con imágenes, textos y música de singular poesía.
Satyajit Ray, formado en el humanismo de Rabindranath Tagore, con inmensa paciencia y vocación, logró concretar esta obra, entre 1952 y 1960, gracias al inmenso éxito de “Pather Panchali”.
La trilogía fue el rostro de la India en el imaginario de los ciudadanos del mundo y emociona por su fotografía, sus actuaciones y la aproximación a una cultura tan diversa. Adentrarse en su mundo es uno de los grandes regalos del cine.
La India, con su cultura milenaria ha sabido desplegar su propio desarrollo cinematográfico.
“Pather Panchali”
https://www.dailymotion.com/video/x6j4i9n
« Aparajito »
https://archive.org/details/aparajito-apu-trilogy-pt.-2
Subtitulada en inglés
« Apu sansar »
https://www.youtube.com/watch?v=BqeDBIiCAFg
Subtitulada en inglés
China, entre “Despertar para salvar el país” y la nostalgia.
En Shanghái, , ubicada en el delta del río Yangtsé, importante polo industrial de China, desde comienzos del siglo XX comenzó a florecer la industria cinematográfica, aplicada exclusivamente a la entretención comercial.
Pero la invasión japonesa de 1931, que amenazó la existencia misma de esta cultura milenaria, llevó a partido comunista chino a lanzar su política de “despertar para salvar el país” sustituyendo los temas de simple esparcimiento por el anti imperialismo, la lucha de clases y las condiciones de vida de los trabajadores.
| Wu Yonggang |
En ese período Wu Yonggang creó “La Diosa”, de 1934, la historia de una prostituta sin nombre - siempre volvemos a Walt Whitman- una mujer que camina las calles iluminadas de neón tratando de llevar a casa, cada noche, suficiente dinero para alimentarse y alimentar a su hijo. La cinta fue protagonizada por Ruan Lingyu, estrella del cine comercial, lo que garantizó una gran afluencia de público.
| Yuan Muzhi |
Dentro de las muchas películas que se filmaron apoyando la revolución que lideró Mao, se encuentra “Hijos de la tormenta”, en occidente “Children of troubled times”, de 1935, dirigida por Yuan Muzhi, que por su talento como actor era conocido como “el hombre de las mil caras”. El tema musical de la cinta , la “Marcha de los voluntarios”, más tarde se convirtió en el himno musical de la República Popular China.
| Fei Mu |
En 1948, el contraste surgió de la mano de director Fei Mu con “Primavera en un pueblo pequeño”, que presenta poéticamente la nostalgia por el pasado y la felicidad de la vida rural, realizada poco antes de que el bando nacionalista se viera forzado a abandonar china continental. Hasta ahora es considerada una de las grandes películas de China y el mundo.
| Xie Jin |
En 1961 se estrenó “El destac
